🇧🇷 RONALDO MIRANDA | Funarte | compositeur | musicien | Rio de Janeiro | 10.02.1988

Art populaire, Brazil, crítico de arte, Music, musicólogo, Musique concrète

linguagem 🇫🇷

Né à Rio de Janeiro, en 1948. Il étudie la composition avec Henrique Morelenbaum et le piano avec Dulce de Saules, à l’École de Musique de l’UFRJ. Il débute sa carrière comme critique musical au Jornal do Brasil et intensifie son travail de compositeur à partir de 1977, lorsqu’il remporte le 1er prix du Concours de composition de la II Biennale de musique brésilienne contemporaine, dans la catégorie musique de chambre. En 1978, il est sélectionné pour représenter le Brésil à la Tribune internationale des compositeurs de l’UNESCO, à Paris. Au cours des années suivantes, il reçoit de nombreux prix dans des concours nationaux de composition, ainsi que le Trophée d’Or de Golf, en 1981, du Gouvernement de l’État de Rio de Janeiro et le prix de l’Association des Critiques d’Art de São Paulo/APCA (1982 et 2006) . En septembre 2001, il reçoit le Trophée Carlos Gomes du Département de la Culture de l’État de São Paulo, comme meilleur compositeur de l’année.

Il a participé à d’importants festivals internationaux : World Music Days, à Aarhus, Danemark (1983) ; la Xe Biennale de musique de Berlin (1985) ; les Journées mondiales de la musique, à Budapest, en Hongrie (1986) ; le Festival Aspekte, à Salzbourg, Autriche (1992) ; la série Musiques del nostre Temps, à Palma de Majorque, Espagne (992), Sonidos de las Americas/Brésil, au Carnegie Hall, à New York (1996), la Semaine de la musique brésilienne, organisée à la Hochschule für Musik, à Karlsruhe, Allemagne (2000) et le Premier Congrès mondial de la guitare, à Baltimore, États-Unis (2004).

En 1984, il est fait Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres, par le ministère français de la Culture.

Ses œuvres ont été présentées dans les principales salles de concert du Brésil et de l’étranger, comme le Queen Elizabeth Hall de Londres, la Tonhalle de Zurich, le Mozarteum de Salzbourg, le Teatro Colón de Buenos Aires et le Carnegie Hall de New York. De nombreuses pièces de lui sont gravées et beaucoup d’entre elles ont été commandées par des institutions importantes, telles que la Fondation Apollon, à Brême (Allemagne), l’Université de Towson (États-Unis), l’Organisation des États américains (OEA), la Fondation Vitae, le Museum of Art. Moderna de Rio de Janeiro, Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, Banda Sinfônica do Estado de São Paulo, o Centro Cultural Banco do Brasil, la Sala Cecília Meireles, le Ministère brésilien de la Culture et la Ville de Rio de Janeiro. Il a également reçu des commandes de groupes et d’interprètes tels que le coral sueco Vokalensemble, o Quinteto Villa-Lobos et le violoncelliste Antônio Meneses.

En novembre 2003, à l’invitation de la Brahmsgesellschaft, il est artiste résident au Studio Brahmshaus, à Baden-Baden, où il crée l’œuvre Festspielmusik, pour deux pianos et percussions.

Ronaldo Miranda a été professeur de composition à l’École de Musique de l’Université Fédérale de Rio de Janeiro, directeur adjoint de l’Institut National de Musique de la FUNARTE et directeur de la Sala Cecília Meireles.. Il est actuellement professeur de composition au Departamento de Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo..

Foi aluno de composição na Escola de Música da UFRJ. Seu primeiro trabalho foi como crítico de música no Jornal do Brasil. Iniciou sua carreira como compositor em 1977, ao receber o 1º Prêmio no Concurso de Composição para a II Bienal de Música Brasileira Contemporânea da Sala Cecília Meireles, na categoria de música de câmara. No ano seguinte, representou o Brasil na Tribuna Internacional de Compositores da Unesco. Foi condecorado com o título de Cavaleiro da Ordem de Artes e Letras, pelo ministério da cultura da França em 1984 e recebeu numerosos prêmios durante toda sua carreira.Escreveu a Sinfonia 2000, sob encomenda do Ministério da Cultura, para as comemorações dos 500 anos de descobrimento do Brasil.Foi também vice-diretor do Instituto Nacional de Música da Funarte, diretor da Sala Cecília Meireles e professor de composição da UFRJ e da USP.Em maio de 1992, estreou, no Theatro Municipal de São Paulo, a sua primeira ópera – Dom Casmurro -, baseada no romance de Machado de Assis, com libreto de Orlando Codá.

Em 22 de setembro de 2006, estreou sua segunda ópera, A Tempestade, com libreto do próprio compositor, baseado na peça The Tempest de William Shakespeare. A récita aconteceu no Theatro São Pedro de São Paulo, com a Banda Sinfônica do Estado de São Paulo, sob regência e direção musical de Abel Rocha. Ronaldo Miranda recebeu vários prêmios em concursos brasileiros de composição, tais como o Troféu Golfinho de Ouro (1981), o Prêmio APCA (Melhor Obra Orquestral de 1982) e o Prêmio Carlos Gomes (2001). Laureado no Concurso Internacional de Composição de Budapeste (1986) e condecorado com a Ordem das Artes e das Letras pelo governo francês (1984), participou de inúmeros festivais internacionais, dentre os quais o World Music Days (Aarhus, 1983 e Budapeste, 1986), a X Bienal de Música de Berlim (1985), o Aspekte Festival (Salzburgo, 1992), a série Musiques Del Nostre Temps (Palma de Mallorca, 1992), a série Sonidos de las Américas/Brasil (Nova York, 1996) e a Semana de Música Brasileira (Karlsruhe, 2000). Os maestros estrangeiros que regeram a obra do compositor foram Thomas Conlin, Miltiades Carides, Mendi Rodan, Zsolt Nagy, Lavard Skou Larsen, Armando Krieger, Darko Butorak, Odaline de la Martinez, Isabel Costes, Andrew Constantine, Gustav Frielinghaus. Em 1990, pelo Projeto de Incentivo à Criação Musical Brasileira, recebeu encomenda da Banda Sinfônica do Estado de São Paulo para compor a Suíte Tropical.

Em 2003, participou do projeto Amazônia Deslendada (Berlim/Bayreuth), e foi compositor residente na Brahmshaus de Baden-Baden. Em 2004, estreou seu Concerto para 4 Violões e Orquestra com a Baltimore Symphony e o Brazilian Guitar Quartet, durante o I World Guitar Congress (Baltimore).^[5] Em 2008, esteve presente à série Kläng der Welt (‘Sons do Mundo’), na Deutsche Oper Berlin. Em 2013, no Theatro São Pedro de São Paulo, estreou a ópera O Menino e a Liberdade com libreto de Jorge Coli baseado no conto de Paulo Bonfim. A regência foi de Roberto Duarte. Em 2014, compôs as Variações Temporais – Beethoven Revisitado, para a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (OSESP). A obra foi apresentada na Sala São Paulo, sob a regência do maestro Marcelo Lehninger.

Em 2009, compôs, também por encomenda da OSESP, o Concerto para Violino e Orquestra, que estreou em abril de 2010, para comemorar os 25 anos de Cláudio Cruz, como spalla da orquestra. Compôs o Tríptico do Tietê, com texto de Mário de Andrade, para o CD encartado no livro Águas do Rio Tietê. A obra estreou na Biblioteca Mário de Andrade, interpretada por Ricardo Ballestero, Ricardo Bologna, Luiz Afonso Montanha e Luciana Bueno. Em 2017 participou da Bienal de Música Brasileira Contemporânea, com uma obra para flauta e orquestra.

Em 2022 compôs o balé Macunaíma, inspirada na obra de Mário de Andrade, para o Ballet e Orquestra do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, que estreou no Theatro Municipal do Rio de Janeiro.Em 2023 a Orquestra Filarmônica de Minas Gerais fez um concerto em comemoração aos 75 anos do compositor interpretando a obra Horizontes de 1992. A orquestra vai gravar uma série de obras do autor, lançadas na coleção Música do Brasil, do selo Naxos. A regência é do diretor artístico Fabio Mechetti.

Gravações

Em 2000, a cantora Sandra Félix e a pianista Scheila Glaser gravaram o CD Canções Brasileiras onde interpretaram a obra Cantares de Ronaldo Miranda.

Em 2001, o Brazilian Guitar Quartet gravou as Variações Sérias, com arranjo do guitarrista escocês Paul Galbraith.

Em 2003 a pianista Clélia Iruzun gravou o Concertino, de Ronaldo Miranda, no CD Brazilian Mosaic.

Em 2013, a pianista Patrícia Bretas gravou o CD Patrícia Bretas no qual interpreta obras de Ronaldo Miranda, para piano.

Em 2015, o quarteto de violões Quaternaglia gravou a Suíte nº 3 (1973), de Ronaldo Miranda, no CD Xangô. No mesmo ano, o Trio Tokeshi-Rosas-Bazarian (Eliane Tokeshi, violino; Giuliano Rosas, clarinete, e Lidia Bazarian, piano) lançou o CD Fragmentos de um Inverno Solar, com a obra Seis Fragmentos de um Inverno Solar, também de Miranda.

Discografia

Canções Brasileiras (2000) – Sandra Félix (canto) e Scheila Glaser (piano). Paulus Editora.^[17]
Encantamento (2001) – Brazilian Guitar Quartet ^[18]
Brazilian Mosaic (2003) – Clélia Iruzun ^[19]
Patrícia Bretas interpreta Ronaldo Miranda (2013)
Xangô (2015) – Quaternaglia ^[20]
Fragmentos de um Inverno Solar (2015) – Trio Tokeshi-Rosas-Bazarian

🇧🇷 Grêmio Recreativo ESCOLA DE SAMBA PORTELA | Rio de Janeiro | 10.01.1988

Art populaire, Brazil, Escola de Samba, Rio de janeiro

linguagem 🇫🇷 🇧🇷

Grêmio Recreativo Escola de Samba Portela (ou simplement Portela) est une école de samba brésilienne située dans la ville de Rio de Janeiro. Adoptant l’aigle et les couleurs bleu et blanc comme symbole, Portela occupe la position de plus grand champion du carnaval de Rio de Janeiro, avec 22 titres (1935, 1939, 1941, 1942, 1943, 1944, 1945, 1946, 1947, 1951). , 1953, 1957, 1958, 1959, 1960, 1962, 1964, 1966, 1970, 1980, 1984 et 2017). Cette marque comprend sept fois le championnat et un quadruple championnat, respectivement entre 1941-1947 et 1957-1960. On l’appelle affectueusement “La Majesté de la Samba” et forme, avec Deixa Falar et Mangueira, la triade des écoles fondatrices du carnaval de Rio.

Desfile da Escola de Samba Portela – Sambódromo da Marquês de Sapucaí, 1988

L’école a été officiellement fondée en tant que groupe du carnaval, appelé Conjunto Oswaldo Cruz, le 11 avril 1923, dans le quartier d’Oswaldo Cruz. Bien que certains chercheurs pensent que l’école a été fondée en 1926, l’année officielle de fondation est 1923, la même année où a été créé le groupe “Baianinhas de Oswaldo Cruz”, qui contenait déjà l’embryon du premier conseil d’administration de Porto, avec Paulo da Portela, Alcides Dias Lopes (mieux connu sous le nom de “Malandro historique”), Heitor dos Prazeres, Antônio Caetano, Antônio Rufino, Manuel Bam Bam Bam, Natalino José do Nascimento (“son Noël”), Candinho et Cláudio Manuel. Elle changea deux fois de nom – “Quem Nos Faz É O Capricho” et “Vai Como Pode” -, jusqu’à prendre définitivement le nom de Portela, au milieu des années 1930. C’est l’une des principales écoles de samba de Rio de Janeiro, formant aux côtés de Mangueira et Beija-Flor, les trois plus grands champions du carnaval de Rio.

En 1988, Tradição, une école fondée par des dissidents de Portela, atteint l’élite du carnaval et, pour la première fois, concourra dans le même groupe que Portela. L’artiste du carnaval Geraldo Cavalcante a créé une intrigue inspirée du livre A Fonte dos Amores, de Câmara Cascudo. L’œuvre raconte la légende de la passion du vice-roi du Brésil, Dom Luís de Vasconcelos e Sousa, pour une jeune femme appelée Susana. Regrettant d’avoir séparé la jeune femme de son fiancé, le vice-roi parvient à réunir à nouveau le couple et, en guise de cadeau, ordonne à Mestre Valentim d’urbaniser Lagoa do Boqueirão (plus tard, Passeio Público), où vivait la jeune femme, donnant lieu à la construction de la Fontaine des Amours. L’histoire a servi de toile de fond pour rendre hommage au centre de Rio de Janeiro, où se déroule le roman de Câmara Cascudo. Le refrain de la samba de l’école (« Briga, eu, eu quero briga / Hoje eu venho reclamar / Esta praça ainda é minha / Eu também estou fominha / Jacaré quer me abraçar ») a été perçu comme une provocation à la Tradition. Le président de Portela, Carlinhos Maracanã, a nié que la samba de l’école soit un signe indirect de la Tradition. Selon Maracanã, le combat évoqué dans la samba vient de Cinelândia, transformée en place de manifestations populaires. Avant le Carnaval, Portela s’est adressée au tribunal pour tenter d’empêcher Tradição d’utiliser un condor dans sa voiture à ailes ouvertes, affirmant qu’il s’agissait d’une copie de l’aigle de Porto. Portela était la huitième et dernière école de la première nuit du Groupe 1 en 1988, commençant son défilé vers huit heures du matin, à la lumière du jour. Le comité directeur de l’association était formé par des personnalités illustres de Porto, comme Argemiro, Ary do Cavaco, Carioca, Periquito, Monarco, Wilson Moreira, Casquinha, Manacéia, Alberto Lonato, Edir, Gaúcho et Casemiro. Dans la voiture à ailes ouvertes, la sculpture d’aigle de Portela défilait, blanche avec des découpes de miroirs. Le défilé a commencé en s’adressant aux trois ethnies qui composent le peuple brésilien, en mettant l’accent sur les noirs, représentés par des ailes chorégraphiées par le danseur Jerônymo Patrocínio. Il a également abordé la construction de l’Avenida Central (plus tard, Rio Branco), de l’Avenida Beira-Mar et du Passeio Público ; en plus de Cinelândia et Lapa. Les actrices Claudia Raia et Vera Gimenez ont participé au défilé. Enceinte, la mannequin Luiza Brunet s’est retirée en tant que marraine de la batterie, défilant sur un trépied. Dans sa revue, le Jornal do Brasil a publié que l’animation du défilé « compensait l’intrigue confuse ». Portela a pris la cinquième place au carnaval de 1988 ; tandis que la Tradition était classée huitième

1988

No ano do Centenário da Abolição, a Portela escolheu para enredo um tema inspirado no livro “A fonte dos amores”, de José Câmara Cascudo, que trata da paixão do Vice-Rei D. Luís de Vasconcelos de Sousa por uma jovem chamada Susana, moradora das proximidades do antigo Largo do Boqueirão, atual Passeio Público, e da construção da famosa fonte esculpida por Mestre Valentim. Geraldo Cavalcanti, em seu segundo e último ano na escola como carnavalesco, partiu dessa história de amor para enaltecer a região do Centro do Rio de Janeiro que compreende, além do Passeio Público, a Avenida Rio Branco, a Cinelândia e a Lapa.

🇫🇷 GÉRARD VICAIRE | destin en paillettes | costumier mondiale de la piste |

Art populaire, cirque, clown, costumier, couturier, Théâtre

Langue 🇫🇷

Son destin remplis de paillettes..

Au début des années 1920, Henri Vicaire (malheureusement décédé 2018), artisan lapidaire et importateur de cristalleries de Bohème, est le fournisseur attitré de nombreux couturiers parisiens, toujours prêts à acquérir broderies et paillettes, artifices alors très en vogue. Talentueux costumier, Gérard Vicaire est décédé le 12 novembre 2018 à l’âge de 91 ans. Il avait dirigé pendant plus de 60 ans la maison Vicaire, fondée par ses parents et spécialisée dans les costumes et décors de spectacles. Cette maison créée en 1927 était spécialisée dans les costume de scène pour les plus grands cabarets du monde. Ses créations allaient du rideau de scène, aux costumes pour des revues en passant par les robes de spectacles. Gérard Vicaire, le fils de Simone et Charles, qui avait repris en 1932 l’affaire familiale est considéré comme le plus grand costumier de cirque. Jusqu’en 1992, date de la fermeture de la maison de couture (qui sera reprise 10 ans plus tard par Corine Valentin) G”arad Vicaire réalisera plus de 400 costumes qui seront sur les épaules des plus grands clowns du monde. Un Vicaire était plus qu’un costume de piste, c’était une œuvre d’art, une pièce de musée constituée de 100 000 à 150 000 paillettes toutes posées à la main selon une technique dite “Lunéville” consistant à saisir un fil (sur lequel sont enfilées des paillettes ou des perles),le tordre et le passer dans l’étoffe, pour former une maille ou un point de chaînette grâce à un petit crochet donnant un point plus régulier.

Et un clown renommé ne pouvait porter qu’un sac Vicaire sur une piste. Avec le décès de Gérard Vicaire c’est tout un pan de l’histoire de la piste du XX° siècle qui disparaît avec lui .

Gérard Vicaire a dirigé pendant plus de 60 ans la maison Vicaire spécialisée dans le costume de scène pour tous les plus grands cabarets du monde. Il a aussi travaillé pour habiller tous les grands clowns blancs de ce siècle. Un livre vient de sortir aux éditions chapitre douze sur cette figure emblématique des arts de la scène.

🇧🇷 LELIA WELHO FROTA – Funarte – popular art

Art populaire, art popular brasileiros, Brazil, Rio de janeiro

linguagem 🇫🇷

Popular art usually expresses a feeling common to the environment in which it develops. It is not usually expected from the popular artist originality or individual expression, but artisan mastery and the ability to execute the works, normally ordered and dictated by the society in which it operates, which determines both the theme and, in some cases, the very form that the work must take over. Animals, human figures and types (such as the cangaceiro, the washerwoman, the priest), as well as saints are the most frequent themes of popular art. Usually the popular artist draws from the reality in which his subjects live, and can sometimes give doses of humor and social criticism to his representations, as illustrated by small northeastern sculptures of white girls dancing with black people with a blocked nose.

The popular artist is usually self-taught, without contact with classical art, removing from tradition the techniques he needs to carry out his work. You can even create your own resources to solve your problems. The personalization of the tradition of the society in which this artist is inserted can generate works of great artistic value. Small sculptures are often the most frequent manifestations of popular art, especially ceramics. Due to the particularities of working with the material, there are small workshops (at least initially familiar) that are dedicated to the craft.

The ceramics workshops are present in several locations in Brazil, especially those in the western region of the country, the Amazon, the Northeast and Rio Grande do Sul. Cities like Caruaru, with their more sophisticated sculptures, with appreciation of movement and realism they are influential regional centers that end up determining northeastern patterns. Clay sculptures have centers in the northern region of the country, in cities like Belém – especially the forms of local animals, such as alligators; in the Southeast, in cities like Vitória and artists like Mãe Ana; in the South, in São José (Santa Catarina) and the mixture of fantastic beings with people and animals in the set of thirteen colored figures of the ox-of-papaya (made by artists like Anésia de Silveira). Still in the Southeast, we see strong centers in places like Vale do Paraíba in São Paulo, whose production is especially intense at Christmas for figures related to the party, such as angels, boys and eastern stars.

The folklore of the valley is also represented through pieces made for the traditional “Festa do Divino”. In the Center-South the sculptures of religious intention are famous. In the Northeast, the figures that, due to their attire and attitudes, characterize aspects of the region’s life are especially known. They also call attention for the sophistication that the representations present, with details such as features of the face attentive to the physical types of the place. Still in the Northeast, the frowns on the boats that cross the São Francisco, used in order to scare off evil or even river folkloric monsters, are other good examples of popular art. Ex-votos are also considered to be one of the most important popular artistic manifestations. Miracles often emphasize the region of the body that the faithful ask for divine attention. In the heads, in which they call for the dead, both common patterns and artistic concerns can be seen in portraying the deceased’s features.

“Padinho Cícero”, for example, is a regional theme widely used in religious sculptures in the Northeast, especially those in Juazeiro do Norte. Umbanda also provides great inspiration for popular artists, such as the figures of Exus, caboclos and black-old men, especially strong in Bahia, well represented by Cândido. Also typical of the state are the figures of “baianas”, with their more realistic anatomical forms and robes. Mainly through Modernism and its nationality, some popular artists began to be recognized in erudite art circles, being valued and even holding exhibitions inside and outside the country.

One of the first of these artists more in tune with the popular traditions discovered was Cardosinho (José Bernardo Cardoso Júnior), a Portuguese who came to Brazil at the age of three. Having started painting at the age of sixty-eight, he draws attention for his fantastic and mysterious compositions, which are not concerned with realism in proportions (as shown by the enormous butterflies in his paintings, copied in natural size). He even did a show with Portinari. Djanira da Mota e Silva, born in the interior of São Paulo and based in Rio de Janeiro is another popular artist who has held exhibitions, including in the United States. Among some of his works are: “Figuras na Rua” (1946) and “A Casa de Farinha” (1956) or the painting of the Chapel of Santa Bárbara, in the Catumbi – Laranjeiras tunnel, in Rio de Janeiro (1961-1963). Chico da Silva, with his fantastic animals, such as birds and dragons linked to the folklore of the north-northeast of the country, is better known in Europe (thanks to the intervention of the Swiss painter Jean Pierre Chabloz who discovered him in Fortaleza) than in Brazil.

The Afro-Brazilian tradition and the contemplative aspect of the sculptures by the Bahian Agnaldo Manuel dos Santos also characterize him as an important popular artist, such as his figures about mother and son or works like “Totem” from 1973. Mestre Vitalino (see entry) from Caruaru, Heitor dos Prazeres, from Rio de Janeiro, Manezinho Araújo, from Pernambuco, Maria Auxiliadora da Silva, from São Paulo, are other names of popular painters who ended up being known in erudite circles. ARTE POPULAR BRASILEIRA Uma viagem em busca dos artistas populares Arte Popular do Brasil Arte PoPulAr BrAsileirA:
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